Lo suyo era puro teatro

El pasado 23 de marzo falleció en Los Angeles Elizabeth Taylor. Lyz, como era conocida por todos, luchó durante toda su carrera por ser reconocida no solo por su vida privada y belleza sino también por su arte. Entre sus inmemorables actuaciones encontramos dos que tuvieron un elemento común, un escritor que el pasado sábado hubiera cumplido cien años y que ha pasado desapercibido en los grandes medios de comunicación debido al óbito de la diva de los ojos violeta.

Tan solo el siempre necesario programa de TVE Días de cine tuvo el detalle de recordarnos en la madrugada del jueves el nacimiento de uno de los dramaturgos más importantes del siglo XX y más reonocidos por el gran público gracias a sus traslaciones al cine.

Thomas Lanier Williams, o Tennessee como le rebautizaron debido a su marcado acento sureño, nació un 26 de marzo de 1911 en la ciudad de Misisipi.  En este blog intentaremos recordar sus mejores obras, cuyas adaptaciones a la gran pantalla han marcado la memoria de muchos cinéfilos.

Un tranvía llamado deseo (1951) Elia Kazan dirigió esta obra referencial no solo en las representaciones teatrales sino en la propia historia del cine, como demostraron Mankiewicz y Almodóvar con sus respectivas All about Eve y Todo sobre mi madre. A través de un inmenso reparto (Brando, Leigh, Malden y Hunter), una excéntrica mujer, un rudo marido, una mujer sumisa y un hombre sin carácter, Kazan consigue realizar el paradigma de teatro llevado al cine cuya influencia, 60 años después, es indiscutible.

La gata sobre el tejado de zinc (1958). Alguien dijo alguna vez que nunca se había visto tanta belleza en un mismo dormitorio. Elizabeth Taylor y Paul Newman, acompañados del gran patriarca Burl Ives, construyen dos personajes para la posteridad en este adaptación de Richard Brooks donde las relaciones familiares sacan lo peor de uno mismo.

De repente, el último verano (1959). El maestro Mankiewicz recogió los miedos y las obsesiones del guion y obra de Williams en este film dotado, como casi siempre, de un gran reparto. Elizabeth Taylor, interpretando a una joven con brotes de locura, se acompaña esta vez de la gran Katharine Hepburn y de Montgomery Clift.

Dulce pájaro de juventud (1962). Paul Newman y el director Richard Brooks repitieron para trasladar a la gran pantalla otra obra de Williams. En esta ocasión, la secundaria Geraldine Page se merienda por sí sola esta obra interpretando a una destructiva y decadente actriz a expensas del alcohol, las drogas y los hombres.

La noche de la iguana (1964). John Huston dirigió el triángulo interpretativo formado por Richard Burton, Ava Gardner y Deborah Kerr donde el deseo y la represión sexual son los epícentros de esta historia ambientada en México. 

Diferencia, libertad, locura, miedo, intolerancia, familia, sexo, decadencia, destrucción. Tennessee Williams llevó todas sus obsesiones personales a sus obras y el Cine, en una época dorada donde las historias primaban, sus autores y actores, se nutrieron de ellas para crear obras extraordinarias. Dios salve en el recuerdo a ese Cine.

Dicen que a la tercera va la vencida...

Dicen que a la tercera va la vencida, y eso en los Óscar se ha cumplido más de una vez. A pocas horas de la ceremonia de los premios de la Academia una de las películas nominadas cumple con el dicho. Se trata del epílogo a la historia de los juguetes de Pixar. Se trata de Toy Story 3.

Estamos ante la tercera parte de una gran saga, que para bien o para mal rompe con las anteriores en cuanto a premios se refiere. Fue la tercera entrega de El señor de los anillos la que consiguió por fin llevarse el premio a la mejor película y fue la tercera parte de El padrino la única de la saga que no se llevó ese mismo galardón. 

En este caso, Toy Story 3 podría ganar el Óscar a la mejor película o el de mejor película de animación, hecho que no hicieron sus predecesoras.  Este dato en realidad solo serviría para confirmar los pronósticos que la dan como favorita al largometraje de animación pero podría parecer un tanto osado en cuanto al galardón principal al cual parece estar ensombrecida por sus competidoras más acérrimas La red social y El discurso del rey. 

Sin embargo, hete aquí que nos encontramos que con anterioridad únicamente dos peliculas de animación optaron al Óscar a la mejor película. Fueron La bella y la bestia y Up. Casualidades de la vida Toy Story 3 es la tercera película de animación nominada a ese premio...

Puede que mi apuesta sea un tanto temeraria y no tenga ese don para la adivinación que poseen otros. Es cierto. No tengo ese don. Pero al menos dejadme soñar.

La leyenda del Rey Arturo

"El Rey sin espada. La Tierra sin Rey."

Desde que allá por el siglo XV Thomas Malory concibiera a través de su obra La muerte de Arturo la leyenda del Rey Arturo, de los caballeros de la mesa redonda, de Camelot, de Excalibur, de Merlín, de Ginebra y Lancelot, era evidente que este mito bretón, entre lo humano y lo divino, sería representado en 24 fotogramas por segundo. Os muestro a continuación sus cinco adaptaciones más ilustres. Unas, más dignas que otras.

Los caballeros del rey Arturo (1953) La dupla Robert Thorpe y Robert Taylor recrean el mito arturico para gloria del segundo en una technicolorista y cinemascopiana superproducción de aventuras con todos los ingredientes del entretenimiento al más puro estilo Hollywood clásico. Espadas, duelos a muerte, caballeros, amor, y batallas para un director adepto a estas historias (véase Ivanhoe o El prisionero de Zenda). Aunque el film lastra su inocencia y el paso del tiempo se ve con agrado, sobre todo siendo Ginebra el animal más bello del mundo. Para nostálgicos del technicolor y del fascistoide, pero gran actor, Robert Taylor.

Camelot (1967) No podía ser otro el elegido que Joshua Logan, director amante de los musicales y los triangulos amorosos como Paint the wagon o Picnic, para llevar a la gran pantalla este musical basado en la leyenda de uno de los laberintos sentimentales más celebrados de la historia de la literatura. Un tanto tedioso por momentos, este musical siempre será recordado por el inicio de la relación "extralaboral" entre la gran dama Vanessa Redgrave y el turbio Franco Nero. Para amantes del musical, absténgase el resto.

Los caballeros de la mesa cuadrada y sus locos seguidores (1975) Los Monthy Python dan una vuelta de tuerca cómica al Rey Arturo y a sus caballeros en su primera historia completa para el Cine. Oda al surrealismo, su primera media hora es de un humor sublime, ejemplos de ello, la conversación entre el Rey y una plebeya republicana o el duelo a muerte. Sin embargo, el resto del metraje se pierde en absurdeces no aptas para estómagos poco agradecidos como el de un servidor. Para seguidores acérrimos de los Monthy Phyton y para los que quieran disfrutar de media hora de carcajada surrealista.

Excalibur (1981) Hasta la fecha, la traslación definitiva a la gran pantalla del mito del Rey Arturo. Endogámica, pagana, épica, terrenal y mágica. Esta epopeya de John Boorman consigue una atmósfera única y mitológica en consonancia con la leyenda. Imagenes liricas - el puente que lleva al Grial, la marcha de los caballeros bajo los almendros, la dama del lago, la escena final y el Ocaso - se mezclan con otras lúgubres - el bosque de los ahorcados, los encantamientos de Morgana y Merlín, la concepción de Arturo o Mordred - que te sumergen en la historia de la mesa redonda, su ascensión y caída. Siempre en simbiosis con la tierra, como tanto le gustaba al autor de Deliverance o La selva esmeralda, el paisaje es un elemento que muda y se transforma en función del devenir de la narración, convirtiéndose en un personaje más en conexión con el hombre y su destino. Obligada referencia para adaptaciones futuras y para todos aquellos que amen el mito.

El primer caballero (1995) Jerry Zucker (Aterriza como puedas o Top Secret) perpetró esta empalagosa historia al servicio de Richard Gere y de sus fanáticos/as incondicionales. Con un guion risible, escenas de un romanticismo ridículo, un cásting pésimo - Sir Sean Connery parecía el abuelo de la aquí insípida Julia Ormond y Richard Gere el modelo de Grecian 2000 - y una dirección de vergüenza ajena, el film se aproxima a una caricatura de una obra que con seguridad partía con altas pretensiones. Recomendada a fanáticos/as de los actores protagonistas...y a nadie más.

El Rey Arturo (2004) Antoine Fuqua cuyo mayor logro ha sido la excesiva y sobrevalorada Training Day (2001) ejecutó esta adaptación más cercana al tiempo en cuanto al personaje histórico del Rey Arturo pero totalmente alejada a la realidad en todo lo demás. Mucho ruido y pocas nueces a imagen y semejanza de su mecenas, el señor Bruckheimer. Para amantes de grandes fuegos de artificio.

Desde hace ya 60 años, en cada una de las décadas que se han recorrido un loco ha ambicionado conseguir la adaptación absoluta sobre la leyenda arturica. En este recién iniciado decenio, el elegido parece ser Bryan Singer, que ha marcado con una X la obra de John Boorman para hacer una nueva versión de la historia de la tabla redonda y sus caballeros, sospechosos habituales de valor, épica y mística.

Más allá de la muerte

Hace ya tiempo que no escribía nada dedicado al cine. En realidad hace ya tiempo que no escribía nada. Mis últimas andanzas profesionales, personales e internautas apenas me han dejado un resquicio para plasmar en un artículo lo que me hacía sentir una película. Falta de tiempo, posiblemente. Falta de motivación, seguramente.

Este pasado domingo me dispuse a visionar la última obra de una leyenda en vida, de un hombre cuyos valores reconozco, admiro y comparto. Antes de hablar de "Hereafter" o "Más allá de la vida" -maldita traducción del título original que coincide con la más inmunda telebasura- he de confesar que no soy imparcial al hablar de Clint Eastwood. Es posible que mi predilección por su persona y su personaje nuble mi insano juicio a la hora de valorar sus películas ¿Quién sabe? Posiblemente sea así. Seguramente.

"Hereafter" es el penúltimo instrumento del octogenario director para enseñar al mundo su filosofía vital. Tres historias directamente vinculadas con la muerte, una mujer que siente la muerte durante el Tsunami de Indonesia de 2004, interpretada por la elegante Cecil de France, un niño que no puede dejar de vivir sin la compañia de su hermano muerto, impresionante recreación del niño protagonista, y un joven que maldice su conexión con el más allá -un maduro Matt Damon-, son el vehículo con el que Clint Eastwood nos vuelve a mostrar su particular enfoque de la vida.

Con su habitual delicadeza y sensibilidad narrativa, con esa pausa que refleja una sensación de estar en paz consigo mismo, el autor de Gran Torino o Sin Perdón nos transporta por este recorrido en la desconocida muerte a una mirada serena de la vida, donde ésta se sobrepone y vence a la muerte, donde lo que realmente importa no son los que están al otro lado de algo que no veremos, sino los que se quedan para sentir lo perdido y lo que resta por ganar. Posiblemente algunos, seguramente muchos, tachen esta obra de falta de fuerza en la historia, de nervio en el guion o incluso de insustancial, sin embargo no puedo opinar lo mismo.

"Hereafter" fluye de manera natural para que las tres historias narradas acaben cerrándose de manera sosegada, sin un clímax final, sin estridencias, sin darse importancia. Como la melodía de ese piano que aparece en cada transición, como en ocasiones pasa la vida o como en ocasiones sorprende la muerte.

Honores necesarios

Utilizando un símil futbolístico ha dado comienzo la pretemporada de premios en el Mundo del cine. Como cada año hay unos galardones que no mantendrán el misterio hasta el día de su entrega. Son los llamados premios honoríficos, que reconocen la trayectoria profesional de una figura trascendental, fundamental, y en ocasiones más o menos importante, en la cinematografía del país, de la academia o de la asociación que lo otorga.

Ayer pudimos conocer que en la próxima ceremonia de los Globos de Oro se homenajeará con el premio Cecil B. De Mile a Robert DeNiro, otrora sublime actor y en la actualidad perdido en miserias varias y esta tarde, los rotativos han anunciado que la Academia patria rendirá pleitesia en la próxima edición de sus premios Goya al director Mario Camus, especialista en la adaptación de algunas de las obras cumbre de la literatura española.

Ambos, De Niro y Camus, tendrán la oportunidad de ser homenajeados en sus respectivas galas de entrega de premios. Podrán así paladear el aplauso y la ovación de todos sus compañeros de profesión, que harán un paréntesis en la competición, en su particular lucha de egos, para honrar la sabiduría acumulada durante todos sus años de carrera de estos dos singulares personajes. La tradición se mantiene y nosotros podremos disfrutar de este acto, unas veces de enorme generosidad con ciertos profesionales, y otras veces de justicia redentora para con aquellos sempiternos olvidados en los laureles de la gloria, pero siempre llenos de cariño y de amor hacia el cine.

Sin embargo, por segundo año consecutivo la Academia de Hollywood no nos dejará gozar con ese momento de catársis. Las audiencias mandan y la productora del evento ha tenido a bien robarnos de nuevo el momento de mayor emoción de la gala, aquél donde se reconoce a personas que nos recuerdan cuál es el origen de la grandeza de este noble arte que reúne todos los anteriores. Así, este año, los Godard, Coppola y Wallach tendrán que recoger (salvo Godard que ha declinado la invitación) el premio a escondidas en una cena privada previa a la ceremonia televisada, sin honores...y sin vergüenza.

La apuesta de la Academia aboga por el negocio. La de los amantes al cine por el respeto a las vidas artísticas y por el recuerdo de momentos mágicos:

Como el de Chaplin emocionado al volver de su exilio en Suiza
http://www.youtube.com/watch?v=J3Pl-qvA1X8

Como el baile de Stanley Donnen cantando el chic to chic
http://www.youtube.com/watch?v=JMC8kHycgwM

Como el orgullo de Kirk Douglas
http://www.youtube.com/watch?v=wBF-0j1IPXw&feature=related

Como el gag de Blake Edwards cual Inspector Clousseau
http://www.youtube.com/watch?v=29WRP92X7Mg&feature=channel


Estos son algunos ejemplos memorables. Todos ellos agradecieron con humildad el premio de la Academia dejando su impronta igual que hicieron con su cine: emoción, humor, fuerza, sensibilidad, clase y elegancia.

Rendir tributo a tus mayores te hace más grande.

Affleck confirma su cambio de rumbo

En la ceremonia de los Óscar 2002 Pedro Almodóvar subió al escenario del Kodak Theatre para recoger el premio al mejor guión original por Hable con ella. La persona que se lo entregó no era otra que Ben Affleck, ganador del premio años antes junto a su gran amigo Matt Damon por El indomable Will Hunting. Mientras la gran diva del cine español exponía su discurso pacifista de agradecimiento, alguno pensaba que para que la escena hubiera sido perfecta debería haber sido otro el que le acompañara, y no un guaperas graciosete cuyos méritos se reducían en aquel entonces a colaboraciones con Kevin Smith y superproducciones palomiteras.

Sin embargo, en el año 2007 la vida y la obra de Ben Affleck dio un giro copernicano. Affleck sorprendia a propios y extraños con su debú en la dirección. Rodeado de un gran elenco actoral que encabezaba su hermano pequeño, el extraordinario Casey Affleck, Ben adaptaba una novela de Dennis Lehane al cual ya había llevado a la gran pantalla Clint Eastwood. Con Mystic River el nivel estaba por las nubes y aunque no alcanzara las cuotas de emoción de su predecesora, Affleck no salió perdedor y dotó a su película de personalidad, convirtiéndola en un thriller envolvente.

Ahora, y tras pasar por la sección oficial del Festival de Cine de Venecia, llega a nuestras pantallas The Town, film que nos narra la historia de un ladrón que junto a su banda se dedica a robar bancos en la ciudad de Boston, ciudad donde pasó su infancia el director y lugar común al que regresa tras su ópera prima.

Aflleck lleva a cabo un nuevo ejercicio de calidad y vuelve a enseñar grandes virtudes: sin grandes efectos visuales, efectúa una realización sencilla y austera pero sin renunciar a los momentos de acción que reclama el género, enseñándonos algo que él conoce muy bien. Su ciudad y los códigos éticos en los que se mueven sus vecinos y amigos.

Por desgracia para nuestro protagonista, el espectador volverá a encontrarse con un referente más o menos cercano, lo cual no debe tergiversar nuestro juicio. Por supuesto, no estamos ante Heat, obra maestra del subgénero de ladrones, pero podemos decir que hemos encontrado un director con temple, con el conocimiento suficiente para contar historias de manera elegante, con la pausa y el ritmo adecuado cuando lo requiere la trama.

En definitiva, Ben Affleck se confirma como un autor en ciernes al que le queda mucho recorrido por caminar y mejorar...Al menos ya ha hecho su penitencia como actor con abortos como Las fuerzas de la naturaleza, Gigli o Daredevil.

Si el manchego universal volviera a recibir un premio de la Academia intuyo que no nos importaría que se lo entregara Ben Affleck.

LOCURA CON MUCHO SENTIDO

Tras el rotundo éxito de El Apartamento, Billy Wilder se dispuso a iniciar un nuevo reto. Volver a Alemania, al Berlín de su juventud, para rodar Un, Dos, Tres, una comedia hilarante y alocada ambientada en la Guerra fría, en el muro que separaba ambos mundos enfrentados. "Dios", como le llamó Fernando Trueba, consiguió que una cuestión tan seria en la época como la tensión política y prebélica que mantenían USA y URSS se convirtiera en objeto de la sorna y la mala leche del hombre al que se le atribuían chinchetas en el cerebro.

Precisamente, durante el año de producción de la película, tuvieron lugar las negociaciones y el encuentro entre Kennedy y Kruschev en Viena que no sirvieron para mover la posición occidental ("three essentials") expresada por el presidente norteamericano en julio de ese año: UNO (mantenimiento de la presencia occidental en Berlín occidental), DOS (mantenimiento del derecho de acceso), TRES (libre elección por parte de Berlín oeste de su régimen político). Fue esa política occidental la que aceleró el ritmo de huidas a la zona occidental y precipitó que el 13 de agosto de 1961 se iniciara la construcción de un muro que separaba ambas zonas de la ciudad y aislaba completamente al Berlín occidental.

Como era común en los guiones de Wilder y Diamond se nos presenta de inicio un hecho fortuito o externo a la vida de los personajes principales que desencadenará los posteriores acontecimientos. Así, Un, dos, tres introduce a Mr. McNamara, representante de Coca-Cola en Berlín Occidental, que acaricia desde hace tiempo la idea de introducir su marca en la URSS y de esta manera ascender en la compañía. Sin embargo, la llegada a Berlín de la hija del Presidente de la multinacional trastoca todos sus planes.

Desde ese momento se desarrolla esta comedia a modo de vodevil en el que todos los personajes entran y salen del escenario teatral de manera frenética. Frenética en cuanto a ritmo, música, acción y escenas cómicas memorables. A pesar de que corremos el riesgo de quedarnos con la visión de presenciar una sucesión de gags impagables, lo cual ya haría de ella una estupemdísima comedia, Un, dos, tres va mucho más allá. Wilder nos acerca a través de esta farsa la realidad de esos años, radiografía cómica de ese momento histórico, en la cual no deja títere con cabeza, criticando tanto a un bando como al otro: La codicia de los unos y la corrupción de los otros.

En este punto llegamos al centro de todos nuestros objetivos: Mr. McNamara. James Cagney en una de sus escasas (y últimas) interpretaciones cómicas se luce en su verborrea y en sus gestos presentándonos un personaje ambicioso, con apenas escrúpulos y con toda la mala leche del mundo, como el mismo Matthau en posteriores colaboraciones con Wilder, ¿o qué digo?, como el mismísimo Wilder.

¡Cojan aire porque comienza la función y no les va a dar ni un segundo de respiro! Un, dos, tres,...